A relação entre arte e arquitetura na 35ª Bienal de São Paulo - coreografias do impossível
Por Victor Delaqua
ARCH DAILY
Publicado em: 07 de Agosto de 2023
Transcender a ideia de um tempo progressivo, linear e ocidental. Criar estratégias de contorno, atravessar limites e escapar das impossibilidades colocadas pelo mundo. Atenta à “política de movimento e movimentos políticos entrelaçados nas expressões artísticas,” a 35ª Bienal de Artes de São Paulo - coreografias do impossível apresenta, através da intervenção espacial e de sua lista de participantes, modos de se relacionar que expandem os aspectos culturais e sociais que demarcam o sentido – aparentemente insuperável – da crise que enfrentamos como sociedade.
Para se aprofundar em como as questões espacial, territorial e arquitetônica se colocam na próxima edição de uma das maiores e mais importantes exposições de arte do mundo, conversamos com o coletivo de curadores* formado por Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel.
Na 35ª edição da mostra, a proposta arquitetônica e expográfica é inseparável da dimensão conceitual da exposição. Inserir conceitos de transgressão do progresso e do tempo linear “ocidental” no Pavilhão Ciccillo Matarazzo, projetado por Oscar Niemeyer, é enfrentar alguns dos princípios modernos e contradizê-los. Numa proposta curatorial que se embasa na obra de Leda Maria Martins, frente a uma concepção de um tempo que espirala, se torna substancial conceber um espaço espiralar, o que seria, nas palavras de Hélio Menezes, “um espaço que questiona e faça frente à métrica ortogonal, progressiva, linear.”
Para isso, o projeto apresentado pelo vão, escritório responsável pela expografia da 35ª Bienal, desponta como uma importante operação da proposta curatorial. A equipe formada por Anna Juni, Enk te Winkel e Gustavo Delonero observa no próprio partido arquitetônico de Niemeyer o potencial que existe nos momentos que o arquiteto rompe com a linha reta, se desfazendo do ângulo ortogonal como um definidor de mundo. No vão central e no mezanino, as curvas – traço que exalta a obra do arquiteto brasileiro – se destacam e inspiram a criação de uma junção dessas estruturas circulares para a composição de um corpo: um partido expográfico. “Este corpo estará reproduzido no segundo e no terceiro andares funcionando de modo invertido. Se num andar o centro deste corpo é oco e o redor, a periferia, é densa de salas repartidas; no outro andar, o corpo central é repleto de salas divididas, salas individuais e toda sua extensão periférica é um grande espaço plano,” conta Menezes.
A circulação também será alterada. Do primeiro para o segundo andar há um semi-fechamento que convida as pessoas a seguirem pela rampa, diretamente, do primeiro ao terceiro pavimento. Assim, há uma multiplicidade de percursos que convida a um movimento que não é sequencialista, nem progressivo. Conforme os curadores, a trajetória do público será marcada por momentos de fluxo e refluxo, contração e expansão. Uma coreografia que o espaço oferecerá a cada visitante, dada por salas que se diferem uma da outra, de acordo com as obras, e influenciará um ritmo no qual o corpo deverá parar, acelerar, sentar, retrasar, colocando os visitantes também como protagonistas na relação que se constrói com o espaço.
Portanto, conformam-se duas estratégias principais de intervenção no edifício. Ambas acontecem de forma orgânica, uma vez que a equipe de arquitetura não recorre a nenhum elemento externo para a construção desse partido. Conforme Menezes indica, “são os próprios elementos desobedientes que o prédio traz que são reforçados para desobedecê-lo de maneira total". Segundo o curador, a relação que o vão construiu a partir da provocação das coreografias do impossível ajudou a formar um espaço em que não há um agrupamento por temas, cronológico, tampouco a partir de uma dimensão formalista ou material das obras. Ou seja, será uma exposição que "privilegia vizinhanças afetivas, sensíveis, uma ideia de plurivizinhanças, um espaço bastante aberto. De modo que cada pessoa, ao fazer seu próprio roteiro, também fará sua rede de conexões entre os próprios trabalhos. Resultando num organismo total.”
Para além das questões arquitetônicas, a lista de participantes chama atenção por cruzar distintas formas daquilo que se espera de uma Bienal de Artes. Surgem nomes do cinema, teatro, dança, música, poesia. Mas também outros que desafiam o programa de uma exposição e seu espaço. Um dos exemplos desponta a partir de uma lógica de governança coletiva colocada por modos horizontais, circulares e não-hierárquicos, a Cozinha Ocupação 9 de Julho. Selecionada para ser responsável pela comida que será servida durante o período do evento, mas também pela dimensão estética oriunda das linguagens urbanas que ela agrega e propala: de protesto, de direito à moradia, do combate ao racismo ambiental e ao fascismo. A cozinha ocupará o mezanino, segundo Menezes, “uma espécie de encruzilhada”, que é central para quem olha a planta: ela divide o térreo do primeiro andar e leva do primeiro para o segundo nível.
“Sabemos que é ao redor da mesa, ao redor da cozinha, onde as coisas propriamente acontecem, onde as coisas são cozinhadas, onde a alquimia dos encontros floresce”, complementa o curador. Frase que permite um paralelo com o conceito arquitetônico por trás do Serpentine Pavilion deste ano, intitulado À table e realizado pela arquiteta franco-libanesa Lina Ghotmeh, que reconhece e reforça todo o potencial que existe ao redor da alimentação e de uma mesa. Portanto, a implantação da Cozinha Ocupação 9 de Julho facilita a irradiação, sobretudo, de uma série de discussões e debates que ela defende, como o direito a uma comida de qualidade, à moradia, sobre a cadeia produtiva dos alimentos, as responsabilidades social e ambiental. Temas que dialogam com outras obras presentes na mostra que, a partir de contextos distintos, podem levar à compreensão de como as monoculturas contribuem para o apagamento da diversidade.
Outro nome que se destaca na lista de participantes e borra os limites das práticas artísticas é o Quilombo Cafundó. A existência dos quilombos por si já apresentam uma forma de habitar que distingue da cosmofobia que encontramos nas cidades, como colocado por Nêgo Bispo. No caso do Cafundó, a curadora Diane Lima retoma a história da comunidade, marcada pela forte disputa de terra que ocorreu no final da década de 1970 e como a linguagem - mais propriamente a cupópia, língua falada por seus habitantes - possibilitou uma estratégia de fuga e sobrevivência daquele território. Ela complementa dizendo que “quando a gente coloca as práticas artísticas como lugar de pensamento estratégico, o Quilombo Cafundó traz a possibilidade de reflexão sobre como certas práticas criam estratégias que conseguem romper e fraturar o impossível que corta o nosso cotidiano.”
Outras práticas que possibilitam essa fala são oriundas de artistas de Gana, Jamaica, do território ancestral Mapuche e Maia, para citar poucos exemplos. Presenças que “criam tensões que geram uma forma de entender o espaço e o território, e o corpo no espaço. Que de algum modo são terrenos fronteiriços, no sentido de algo que se faz continuamente, algo que está sempre em fluxo, que se interpela, que questiona,” adiciona o curador Manuel Borja-Villel ao contestar principalmente a separação binária ocidental que criamos entre a arte e aspectos espirituais e materiais da vida. Segundo o curador espanhol: “A relação com o comum, a não separação entre terra e sujeito, ser humano e não ser humano, entre formas de organização que não têm a ver com a propriedade privada e o espaço público, também estarão presentes na Bienal. São outras formas de compreender o território e nossas relações. Isso obviamente tem um componente ‘arquitetônico’ que é importante para aquele que vive e habita seus lugares.”
São diversos os artistas que em seus trabalhos pretendem lançar imprevistos sobre o espaço e oferecem uma porta de imaginação que convidam à reflexão de dimensões da vida urbana, vida em comum e, portanto, da arquitetura nas coreografias do impossível. Além dos participantes citados, alguns exemplos são as obras de Ahlam Shibli, Benvenuto Chavajay, Frente 3 de Fevereiro, Ibrahim Mahama, Ilze Wolff, Malu Avelar, Rommulo Vieira Conceição, stanley brouwn. Elas colocam em cena as questões territoriais e de fronteiras, do interior de uma habitação ao contexto global, da concepção espacial periférica até experimentações artísticas a partir do próprio corpo e percepção do espaço.
Coreografias do impossível carrega em si atravessamentos colocados pelos contextos de impossibilidade que a realidade impõe para tantas pessoas e seus artistas. Entre as diversas interpretações para o impossível, uma delas é destacada pela curadora Diane Lima quando ressalta os lugares que matizam a experiência de corpos que não foram pensados para assumir determinados espaços e posições. Uma imagem conflituosa que é concebida pela produção da diferença “fundamentada, enraizada e construída com base na violência”. Neste sentido, a exposição busca transcender mais do que o espaço e seus significados. Há um apontamento para reflexões sobre essa produção da diferença, de modo que ela possa ser construída “a partir da estratégia da solidariedade e modos de conhecer que extrapolem os sistemas de violação, os processos de apropriação ou assimilação que sempre tendem a subordinar e colocar o Outro numa categoria onde a violência determina a construção da relação.” Assim, Lima realça que “há algo por vir da ordem do inimaginável”, visto que “contextos impossíveis criam encontros inimagináveis, assim como o encontro inevitável entre espaço, corpos e obras." Uma experiência da qual pode surgir relações que suplantam a ordem da representação e do impossível – termo que configura ponto de partida, a priori, intangível para uma exposição, mas que, em seu destrinchamento, movimenta consigo o potencial para descortinar outras possibilidades de vida e do real.
